Dry Cleaning – New long Leg

Après une série de singles, voici le premier album du groupe britannique Dry Cleaning qui s’est formé en 2018 et est donc complètement actuel. C’est une découverte qui nous redonne confiance en l’avenir.

Avant de vous parler de ce groupe et de leur album, nous allons émettre un avertissement histoire de vous situer cet objet sonore. Oui, objet sonore, car c’est un album arty, ce qui n’est pas un problème pour nous, si cela sonne bien. Et cela sonne très bien, nous avons eu plaisir à l’écouter d’un bout à l’autre même si c’est du rock intellectuel et non conventionnel. D’abord le son qui surprend, on se demande si cela n’a pas été enregistré dans leur logement sur du matériel de particulier. Ce que nous voulons dire, c’est que cela ne sonne pas comme un album enregistré en studio avec un producteur, ce qui est pourtant le cas. Le producteur s’appelle John Parrish et le label 4AD. Et un deuxième point, et qui n’est pas anecdotique, c’est que c’est du spoken word : personne ne chante, une femme récite un texte. Sur le papier cela pourrait paraître pénible, mais en fait cela le fait et on se prend au jeu de l’écouter nous parler à l’oreille sur un tapis musical de bon aloi. Et ce n’est pas lassant. On voit plus souvent ce genre d’expérience musicale du côté de New York que de l’Angleterre, où ils vivent et créent.

Car la Grande-Bretagne ne nous proposait plus depuis longtemps des choses aussi audacieuses, à la limite du bizarre, et c’est en cela que l’on peut les rattacher au post-punk. Mais c’est plus que du post-punk, c’est plus original qu’une musique de genre, et cela tient compte de musiques qui n’existaient pas dans les années 80. Le guitariste Tom Dowse, qui est à l’origine de ce projet, sait faire autre chose et connait manifestement le gros rock. Ce qui a choqué notre chroniqueur au premier abord mais qui passe très bien en fait.  Oui, c’est le groupe d’un guitariste, qui a su convaincre l’élève d’une école d’art Florence Shaw de les rejoindre pour poser sa voix. Elle a refusé de chanter, préférant dire des textes sur la musique. Il y a aussi dans cette formation une batterie, par moment doublée d’une boîte à rythmes, et une basse qui joue des parties simples mais avec un son terrible.

Cet album qui comporte 10 titres est en fait super agréable à écouter, malgré l’aridité de la démarche. Les guitares sont très belles, enfin cela nous a bien plu. Nous espérons qu’il en sera de même pour vous. Ce n’est jamais de la musique ultra-speed, et elle se déroule sans que l’on vole le temps passer. Allez, on le remet dans le lecteur cd !

My Bloody Valentine ep’s 1988-1991

My Bloody Valentine, traduit en français par “Meurtres à la Saint-Valentin”, est un film d’horreur canadien de George Milhalka sorti en 1981 qui se déroule dans un petit village de Nouvelle Ecosse. C’est aussi le nom d’un groupe de rock indépendant des années 80 classé dans le genre Shoegaze, qui a emprunté son nom au film. Une compilation de certains de leurs titres vient de sortir.

Le groupe, irlandais et non anglais, a débuté en 1983 pour se séparer en 1997 et n’a jamais connu de succès commercial. Il est resté confidentiel dans notre pays, ce qui parait dingue car cette réédition en double album de leurs singles de la période 1988-1991 nous dévoile un groupe majeur à la forte personnalité musicale, intéressant au même titre que les américains de Sonic Youth.
Si l’on parle de My Bloody Valentine aujourd’hui, c’est qu’en novembre 2007 ils ont décidé de faire leur retour. En France nous avons eu droit à un concert retransmis sur France Inter et à cette réédition de singles de leur période musicale significative que nous venons de trouver dans les nouveautés de notre magasin de disque habituel. Alors qu’en fait, cette compilation de singles est annoncée et sous ce nom par le groupe depuis 2012. Mais ce n’est que maintenant qu’elle apparait dans les bacs. Elle est constituée d’un premier CD de 13 titres et d’un deuxième de 11 titres. Elle accompagne la réédition de leurs albums par le label Domino Records.

Et bien que nous dit-elle ? Que c’est l’une des meilleures choses que nous ayons entendu durant cette année 2021 ! Comme Sonic Youth d’une autre manière, c’est-à-dire avec une autre manière de jouer de la guitare, ils poussent plus loin et intelligemment les éléments de base du rock tel qu’il se présente après la période punk britannique de la fin des années 70. A l’écoute de leurs morceaux, on ne se dit jamais « ouais, c’est bateau ». Ils font quelque chose de personnel, et, ne nous le cachons pas, d’expérimental et travaillé, à partir de ce que font tous les groupes de rock. Et cependant, malgré ce côté expérimental, leurs titres sont pop et agréables. C’est innovateur sans être sombre et torturé. Cela tient au chant de Kevin Shields et Bilinda Butcher qui est toujours mélodique alors que les guitares sont franchement bizarres et bruitistes. Le son de ces rééditions est fabuleux, tous les instruments sont à leur avantage et il n’y en a pas un qui soit masqué dans l’ensemble.
Nous connaissions et apprécions ce groupe, mais pas la totalité de leur discographie, reconnaissons-le, et ce double album est un régal et les place au panthéon des groupes de rock. Ce qui n’est pas évident, car nous avons en 2021 un recul et un esprit critique sur les 40 dernières années de musique. Nous arrivons à écouter My Bloody Valentine alors que nous ne parvenons plus à apprécier que deux ou 3 morceaux d’artistes qui ont été reconnus du temps où ils étaient en activité, et que nous avons aimés mais qui aujourd’hui nous laissent sur notre faim. C’est subjectifs, c’est sûr, mais nous ne sommes plus des fans adolescents et ne cherchons pas à indiepoprock à paraître hip avec la dernière sensation rock dont tout le monde parle. Si My Bloody Valentine fait l’actualité, c’est fondé et leurs disques sont là pour le prouver.

François Atlas – Banane Bleue

François Marry et Ses Atlas Mountains de retour pour un nouvel album sur Domino.

Même si cet album est attribué à un nom collectif, il a été réalisé sans les musiciens habituels de François Marry. En rupture avec les précédents, il est minimal et sobre, et en même temps très rafraichissant. Il nous propose dix titres de pop sympathique chantés le plus souvent en français, avec la manière  personnelle de François. Les titres les plus marquants sont réalisés avec un petit nombre d’instruments et et ouvrent une voie intéressante à emprunter par les artistes pop. L’album a été enregistré entre Athènes, Berlin et Nogent-sur-Marne par François et le producteur Jaakko Eino Kalevi qui a été choisi par l’artiste pour son travail artistique sur ses propres disques.

Il ne démarre vraiment qu’à la deuxième chanson du disque, Coucou, une ballade calme qui évoque des paysages tropicaux et une relation féminine. Avec le troisième morceau, Julie, on reconnait la manière habituelle de l’artiste et il comblera ceux qui l’appréciaient avant cet album. Une voix féminine ponctue agréablement le texte et prépare au refrain accrocheur de cette chanson efficace. Par le Passé est une intéressante œuvre, car cette chanson se développe sur des arpèges de piano atmosphériques qui lui donnent un côté original. Holly Go Lightly, le cinquième titre, est une friandise naïve en anglais, qui entre dans la tête. Lee Ann et Lucy, pour sa part, très pop française actuelle, passerait très bien sur une radio de musique sérieuse loin des insolences du rap et du rock.

Tourne Autour porte l’empreinte d’une légèreté efficace et accrocheuse. Pourtant son instrumentation est minimale : boîte à rythme, synthé et le chant. Il en est de même pour la suivante, Revu, au texte très fort. En dépit des sonorités électroniques, le titre entre clairement dans la catégorie chanson française de qualité. Ces titres à la boîte à rythme accompagnée d’un synthétiseur sont d’ailleurs les plus plaisants de l’album. Ce sont par contre des instruments réels aux timbres agréables qui construisent la chanson mélancolique qu’est Gold and Lips. Elle se termine par un joli son de clavier vintage qui vient se poser sur la guitare qui fait la base de ce titre. Une réussite. L’ultime chanson, Dans un taxi, voit le retour des sonorités électroniques, en plus prononcé. Ce morceau est tout simplement magnifique et est un grand moment de pop électro. Entre chanson et pop, François And The Atlas Mountains ne choisit pas, et c’est tant mieux. C’est un disque agréable à écouter, au sens noble du terme, qui contient deux titres évidents et des morceaux auxquels on revient pour mieux les découvrir. Réalisé avec moins de moyens que le précédent, il est cependant l’un des disques francophones importants de l’année.

Miles Kane – Coup De Grâce

L’élégant rocker britannique Miles Kane est toujours dans la course et Coup de Grace est son troisième album. Sorti en 2018, nous l’avion laissé passer mais comme sommes dans une période un peu particulière nous nous permettons de revenir sur ce disque d’un artiste que nous suivons depuis plusieurs années et que nous ne pouvions décemment pas passer sous silence.

Ces dernières années il a été question de son side-project avec Alex Turner, The Last Shadow Puppets, mais l’artiste du Mersey Side n’a pas abandonné sa carrière solo comme nous le redoutions alors. Cela aurait été dommage car Miles Kane, s’il fait du rock britannique le fait avec sa personnalité et une certaine classe. Ce Coup de Grâce qui est son troisième album solo est différent des précédents car il est plus brutal et rentre-dedans, même s’il contient quelques belles chansons taillées pour le succès. C’est clair dès l’ouverture de l’album avec le titre Too Little Too Late, qui se déroule pied au plancher et surprendra les fans du Miles. On revient à de meilleures intentions avec le deuxième titre, Cry On my Guitar, qui lorgne vers le Glam, et qui est une superbe opération de rock’n’roll façon années 70, avec un solo de guitare brillant et pas indigeste. Un titre magnifique.
On retrouve le Miles Kane que l’on connait avec l’une de ces belles chansons dont nous parlions, Loaded, qui flirte avec la Brit Pop et n’est pas loin des Arctic Monkeys. C’est bien lui encore dans le morceau suivant, Cold Light Of The Day, même s’il est plus furieux qu’à son habitude. Court et direct, avec un riff efficace, ce morceau est excellent. La Brit Pop, on y revient avec le sixième titre, Killing Of The Joke, qui vous fera verser des larmes comme le faisait Oasis.
Vient alors le morceau qui donne son nom à l’album, et qui n’a rien à voir avec le reste et sonne petit. C’est une espèce de groove expérimental et pas un vrai morceau comme Miles Kane sait le faire. On se demande pourquoi il figure sur l’album. Heureusement on en revient à quelque chose de bien plus consistant avec un autre morceau furieux, Silverscreen, qui est dans la veine de cet album mais peut déconcerter par son agressivité, tellement ça ne ressemble pas à ce à quoi nous avait habitué l’artiste. Wrong Side of life est encore autre chose, un cri de souffrance sur une forme plus conventionnelle. Mais c’est convaincant. Retour au rock pied au plancher avec Something To Rely On, qui dans le genre est réussi et nous plait bien. L’album se termine par quelque chose de moins teigneux, plus posé et plus pop, un titre qui se nomme Shavambacu, et qui arrive à point nommé pour nous calmer après tout ce qui nous est arrivé dans la face depuis que nous avons inséré le CD dans son lecteur. Cela aurait pu être le point départ d’un autre album, moins pêchu, plus dans la belle pop britannique que ce disque qui dans l’ensemble est plus agressif et plus tendu que les deux précédents. Mais si vous aimez le rock qui dépote, cela ne vous dérangera pas, une fois la surprise passée. Pour résumer, un album disparate mais pas pour autant hétéroclite, où se côtoient rock’n’roll débridé et chansons pour la radio comme le savent faire les artistes britanniques.

Metz – Atlas Vending

Quatrième album pour Metz.

Ce quatrième album du groupe noise-rock sur le label Sub Pop nous surprend, car nous les avions rangés au rayon des groupes pas indispensables. Or leur livraison 2020 nous met une claque. C’est toujours très bruyant, mais hyper intéressant. Comment font-ils pour obtenir un tel résultat en jouant la carte du chaos musical ? D’abord, ce disque n’est ni joli ni agréable. Et pourtant ce n’est pas non plus quelque chose d’expérimental barré ou un truc ce qui se voudrait avant-gardiste. Non, c’est à part et peu orthodoxe.

L’idée d’une musique bruitiste expérimentale, et utilisant des guitares furieuses, on connaît, demandez à Glen Branca ou Sonic Youth. Peut-on qualifier la musique de Metz de punk-rock ? Disons plutôt qu’elle s’en inspire dans l’esprit, la radicalité. Le groupe a été formé en 2008 au sein de la scène punk d’Ottawa au Canada avant de signer en 2012 sur le prestigieux label Sub Pop pour lequel ils réalisent leur premier album. Ils seront fidèles à ce label jusqu’à aujourd’hui. Et ce nouvel album est emblématique de la maîtrise de leur style.

Metz donne une forme à du dissonant, du bruyant, à partir d’une guitare électrique et d’une batterie qui a la part belle dans leurs morceaux. Les guitares semblent incompréhensibles et pourtant on prend du plaisir à écouter cet album. Les morceaux sont concis, le disque n’est pas facile, il est pourtant passionnant d’un bout à l’autre.

Il commence par un titre sombre, Pulse, qui répète la même guitare pendant que le chanteur déclame son texte. C’est au deuxième morceau, Blind Youth Industrial Park, qu’on entre dans le vif du sujet, et l’on n’est pas déçus. A 100 à l’heure, on enchaîne The Miror, No Ceilling et Hail Taxi, où le guitariste chanteur Alex Edkins donne de lui-même avec une énergie remarquable. Draw Us In, tranche sur les précédents par sa batterie cassée et sa partie de guitare. Mais ça repart juste après ce titre, jusqu’au dernier, A Boat To Drown In, qui est leur single, et qui repose sur une batterie plus conventionnelle, rapide, pendant que la guitare répète inlassablement la même figure.

Nous n’avons pas peur de le dire, cet album est une réussite artistique. En 2020, le rock radical à guitares se porte bien, en voici encore un exemple.

Nothing – The Great Dismal

Sorti la dernière semaine d’octobre, le nouvel album du groupe de shoegaze de Philadelphie explore les thèmes de l’isolation, du mal-être et du comportement pour le moins curieux de l’être humain. Tout ça avec une efficacité bien américaine pour ce qui est de la musique.

Cela ira bien comme bande-son de notre confinement et de la crise sociale et économique qui l’accompagne, car nous aurons au moins un excellent album à écouter chez nous à défaut de voir des gens.

C’est donc du shoegaze américain. Je précise leur nationalité car du début à la fin de ce disque, si nous sommes dans les mêmes brumes et la même sensibilité que leurs homologues britanniques, ces brumes sont d’une autre teinte et il y a un côté costaud dans leurs morceaux.
Le disque commence par le très calme A Fabricated Life, qui pose dès les premières notes son climat de recueillement suivi du lyrisme de son refrain. Savourez-le comme vous savourez de la Dream pop ou un vieux Pink Floyd. Au deuxième morceau, les affaires démarrent : une batterie dansante, des guitares sales et une voix qui flotte au-dessus. Il y a des subtilités de production comme une sample vocal au début, un roulement électro ici et une partie de basse tranchante. Ce morceau porte le nom de Say Less. Le titre qui suit, April Ah Ah, est superbe et les guitares sont grosses, suffisamment pour ne pas rester assis en l’écoutant. Au milieu il y a un passage plus dépouillé, là encore signe d’un travail des morceaux. Catch A Fade qui lui succède est plus guilleret et plus évident, et contraste avec ce que nous avons entendu précédemment du moins au début du morceau car à la troisième partie nous retrouvons avec plaisir leur gros son et l’intensité caractéristique ce disque. Le cinquième revient aux choses sérieuses et a une grosse patate, tout en faisant cohabiter guitares subtiles avec le chant. Surprise avec le suivant, Bernie Sanders, plus agressif que le reste, grosse basse pour commencer, guitares entêtantes. On revient à du très lourd avec In Blueberry Memories, qui va vous remettre en mouvement si vous vous étiez posé sur le canapé.

Ensuite c’est un moment contemplatif qui se termine en explosion et qui se nomme Blue Mecca et qui est magnifique. On passe alors à un titre très métal qui s’appelle Just A Story. Dans la même veine,Ask The Rust et son refrain fait mouche d’entrée.

Avec « The Great Dismal », Nothing signe un coup de maître, qui se termine dans une relative sérénité avec, The Dead Are Dumb, en dépit d’une batterie solide. Construction classique pour un morceau qui clôture l’album par une touche plus légère.

Rien à jeter sur ce disque qui redonne toutes ses lettres de noblesse à un genre qui, petit à petit, revient au goût du jour. Dans les circonstances actuelles, il n’y aura pas beaucoup de disques à se mettre sous la dent alors ne boudez pas celui-ci.

The Sherlocks – Under The Sky

The Sherlocks est un groupe de jeunes britanniques originaires de Bolton Upon Deame près de Sheffield. Nous les avions découverts lors d’un concert dans la capitale de la France et avec quelques singles qui décoiffaient puis l’album Live For The Moment de 2017

Nous l’avions chroniqué car nous l’avions trouvé renversant. Puis nous n’avions plus eu de leurs nouvelles. Ce n’est qu’en nous rendant chez un disquaire comme tout un chacun que nous nous sommes aperçus qu’un deuxième album du nom d’Under The Sky était disponible dans les bacs depuis 2019. C’est donc avec un certain retard que nous vous le mentionnons et surtout que nous l’écoutons.

Ce qui ressort justement à l’écoute de leur disque c’est que c’est devenu plus conventionnel même si l’on retrouve leurs grandes qualités mélodiques. Mais tout est au même tempo, qui est celui de centaines de disques de rock, mis à part le titre qui donne son nom à l’album. Ce que l’on note aussi, c’est la performance vocale de leur chanteur, dont les vocalises peuvent énerver par moment, et l’apparition sur ce deuxième disque  d’une lead guitar mélodique qui se pose autour du chant. Bon, ce système est bien vu. Ils ont manifestement changé de catégorie pour devenir plus mainstream. Mais comme nous attendions ce deuxième album, nous vous en parlons dans nos colonnes.

Il y a quand même des morceaux qui nous rassurent sur cette acquisition, et qui sont dans la manière de leur album précédent, comme le deuxième titre NYC, le troisième qui se nomme Waiting, le quatrième Magic Man qui est superbe, et le neuvième Now And Then. Mais il y en a d’autres qui sont énervants, même si ce n’est jamais désagréable ni mauvais, seulement commercial. Il faut s’attendre à les voir jouer dans des salles bien plus grandes que les cafés concerts où nous les avions appréciés et où ils étaient à l’aise en toute simplicité. C’est cette simplicité d’ailleurs qui nous avait plu chez eux et nous avait amené à les rencontrer pour une interview que vous retrouverez sur notre site.

Sonic Boom – All Things Being Equal

Peter Kember, est un musicien et producteur britannique (MGMT, Panda Bear) qui a été membre de groupes (Spacemen 3, Spectrum et Experimental Audio Research) et qui fait des trucs tout seul sous le nom de Sonic Boom.

Il aura fallu attendre 31 ans pour que Peter Kember revienne aux affaires sous le nom de Sonic Boom. Un disque que certains diront expérimental, mais qui est surtout très anglais. Et ce que Peter Kember fait avec des machines, d’autres, dans cette île connue pour sa musique pop-rock, le font avec des guitares et une batterie.

On a donc affaire à un album accessible, fait de mélodies enfantines jouées au synthétiseur, d’un chant maitrisé, avec un beau timbre de voix médium même lorsqu’il se contente de réciter un texte sur des boucles. Le son est limpide et n’a rien d’agressif ni de distordu. On peut l’écouter en terrasse ou sur la plage derrière des lunettes de soleil par ce temps d’été.

L’album commence par Just Imagine, un titre qui n’est pas loin de Kraftwerk. C’est ultra-répétitif et la mélodie rentre bien dans la tête. Vient ensuite un titre avec des sons gargouillants de synthé, et une belle voix, qui porte le nom de Just A Little Piece Of Me. Nous aimons ! Things Like This, qui arrive en 3è sur ce disque, swingue terriblement pour de la musique électronique, on dirait un morceau des années 50-60 en version électronique. Plus expérimental est Spinning Coins And Wishing On Clovers, où Peter Kember récite un texte sur de l’ambiant, et ça passe, c’est captivant. Bon, peut-être parce que ce n’est pas comme ça sur tout l’album, non plus car tout le monde n’est pas prêt à écouter tout un album d’ambiant ou à pratiquer la relaxation par la musique, comme l’ont fait des chercheurs qui ont inspiré les Chill-Out des soirées techno qui permettaient au public de connaitre un moment de calme et aux consommateurs de drogues de récupérer.

Le morceau On A Summer’s Day, de circonstance, est lui plus limite. Ses sonorités asiatiques le rendent un peu barré, un peu pénible sur la longueur. Voix au vocodeur, basse synthétique et mélodie lead, Tawkin Tekno, qui lui succède, sonne plus old-school, mais ça ne fait pas de mal de revenir en terrain connu. I Can See Light Bend, lui, renoue avec une certaine complexité, intriguant par l’enchevêtrement de textures triturées, sans céder à la facilité de rajouter des beats par-dessus. C’est superbe ! Avec I feel a Change Comin On, on revient à la manière du début, avec un côté plus rock, que ce soit dans le chant ou les sons utilisés. Au final, on obtient un album bigarré, en équilibre entre passé et présent. Un disque bilan, mais sans nostalgie ni hermétisme expérimental.

LANE – Pictures of The Century

LANE, initiales de « Love And Noise Experiment », groupe angevin sort son deuxième album. Ce ne sont pas des nouveaux venus, mais d’ex-membres de groupes français respectés et ayant travaillé aux USA, les Thugs (punk no-look) et Daria (rock indépendant), qui se sont lancés dans une nouvelle aventure musicale.

Attention, ce n’est pas un album de hardcore punk, même s’il y a deux-trois titres fast-tempo qui tapent dur, mais quelque chose de plus, conciliant grosse patate et chant mélodique, et qui fait par moments penser aux Pixies, en particulier sur le morceau qui donne son nom à l’album, ce qui n’est pas pour nous déplaire. Le son est excellent, meilleur que celui de leur premier disque.

Ca commence par Discovery None, qui après une intro dissonante entre dans le vif du sujet et nous fait taper du pied à 100 à l’heure. Mais ils peuvent faire plus rapide, tout en gardant le contrôle, comme nous le montre le titre suivant, Voices, qui va réveiller le punk en vous ! Par contre après cette furia vient un morceau plus sophistiqué, avec de belles parties de guitare et un refrain, So Many Loves, qui est superbe. Baisse de régime avec Electric Thrills, presque une ballade, qui nous emmène dans une certaine tristesse, mais comme dans les films ça se termine bien avec une guitare bien sentie. Après ce passage mélancolique revient un rock rapide comme ils savent le faire. Le chant est un peu étrange, mais ça passe. Plus intéressant est Life As A Sentence, qui, sur une batterie martiale déroule ses arpèges et nous propose une grosse fuzz et un long passage instrumental qui nous plait bien. Retour au punk avec Sing To The Last, mais il y a ce chant si particulier et cette construction du morceau. Bon, c’est du Thugs, clairement. Jeune lecteur, voilà l’occasion de te pencher sur ce groupe français qui a mis tout le monde d’accord à l’époque où il était en activité. Plus original est le morceau Family Life, plus pop, tout en restant teigneux, si on peut oser ce terme. Par contre le texte n’est pas pop, critiquer le Charity Bizness n’est pas grand public. Terrain connu avec le morceau qui lui succède, Black Gloves, qu’on a l’impression d’avoir déjà entendu autrefois. Last Generation, lui, n’est pas du tout surgi du passé, et nous porte vers des paysages et des climats intéressants avec une longue fin instrumentale.

LANE est aussi capable de morceaux lents, ce qui vous laissera le temps de respirer, comme le prouve ce It’s Only Love, qui est tout sauf du punk, même la basse est d’ailleurs. Ce morceau est le plus accessible de ce disque. Par contre, on tombe sur du hardcore avec Lollipop And Candy Cane, qui nous ramène à leur premier album. On termine par une grosse claque avec un morceau magistral tant au niveau du son que de l’inspiration, Pictures Of The Century. C’est la conclusion et elle est sans appel : ils sont bons et nous avons pris plaisir à écouter cet album. Nous espérons qu’il en sera de même pour vous.

Second Hand Sound – Burnout

En cette période de flottement et d’incertitude pour les industries culturelles en général et la musique en particulier, l’actualité n’en reste pas moins foisonnante. Au milieu, un mini-album 5 titres d’un groupe indé de Nashville, Second Hand Sound.

Leur nom semble être un bon programme, mais leur son n’est pas de deuxième main. Il est actuel, malgré des tics rétro à la batterie ! Ils ont aussi un côté rock héroïque, bien produit et impeccablement joué.
Le EP débute par le titre Pocket Change, qui pourrait donner une fausse idée de l’ensemble car c’est un morceau rock tout ce qu’il y a de classique. Mais avec le second, It’s Alright, c’est l’éblouissement. Ce morceau est dansant, terriblement efficace avec ce mixage aéré qui laisse paraitre basse et batterie sans les recouvrir d’un mur de guitares. Guitares aériennes s’il en est. Le seul reproche à faire à ce super single, sa durée, trop étirée (5 :01).

Le titre suivant, Balloons, n’est pas en reste, malgré son côté plus brut et la simplicité de ses guitares. Ce qui fait deux excellents morceaux. Et le groupe continue sur cette bonne voie avec Kayla Klein, notamment avec son refrain imparable. Sur ce titre aussi les guitares sont top. C’est également le cas sur le dernier morceau, Where You Put Your Love. Le chant est nuancé, même si le gars a une voix puissante. Il s’appelle Sawyer Estok, et ne les ayant pas vus sur scène nous ne pouvons pas dire grand-chose de ses performances en live.

Ce que nous pouvons dire, en revanche, c’est que ce mini-album est fort bon et qu’il comporte des titres super forts ! Ce groupe est actif depuis 2018 et les musiciens se sont rencontrés à l’université de Belmont, et nous espérons bien les voir en live après les vacances d’été.